Los autores de las cajas apiladas del New Museum of Contemporary Art en el Bovery de Nueva York , de la frustrada ampliación del IVAM de Valencia, del buque insignia de Dior en Omotesando o del futuro Museo Louvre de Lens se han hecho con el últimopremio Pritzker , el galardón más importante que puede conseguir un arquitecto.

Hace 15 años que Kazuyo Sejima (Ibaraki, 1956) y Ryue Nishizawa (Tokio, 1966) fundaron SANAA (Sejima and Nishizawa and Associates ). Sejima, con sus casas carentes de jerarquías y sus edificios forzados hasta la máxima ligereza, era entonces la gran promesa de la arquitectura mundial. Nishizawa era autor de una obra corta pero exquisita, un proyectista brillante que solicitó trabajar con ella.

Cuando los encargos crecieron, Sejima no dudó en hacerlo socio para afrontar juntos el Teatro de Almere, en Holanda. Desde entonces firman a dúo los grandes proyectos que los han llevado a trabajar por todo el planeta. Y reservan una parcela privada para firmar trabajos individuales.

El jurado del premio ha destacado que sus edificios “parecen muy sencillos, pero son obras de envergadura. Que son capaces de retirarse para convertirse en un paisaje de fondo para la gente”. Tal vez por eso, la Fundación Pritzker ha considerado que Sejima y Nishizawa “exploran como pocos cualidades como la transparencia y la ligereza logrando edificios que contrastan con el impacto y la retórica de mucha de la arquitectura actual. Su búsqueda es de economía de medios, de claridad, de precisión”. Leer noticia completa.

Fuente: EL País.

El concurso se convoca en el marco de la Trienal de Arquitectura de Lisboa, que se celebrará del 14 de octubre de 2010 al 16 de enero de 2011.

Es un concurso de ideas cuyo objetivo es seleccionar la mejor propuesta de diseño de un prototipo de unidad familiar con un patio, de bajo coste y destinado a familias muy necesitadas de entre siete y nueve personas (padres, tres hijos y dos abuelos o padres, cinco hijos y dos abuelos), en un terreno llano situado en el límite urbano de Luanda.

De entre todos los proyectos presentados se elegirán 30 finalistas, cuyos autores deberán presentar una maqueta de su propuesta. Todas las obras se expondrán en el Museo de la Electricidad del 28 de octubre de 2009 al 16 de enero de 2011.

La inscripción es gratuita y el impreso de solicitud debe descargarse de la web. www.trienaldelisboa.com

Fecha límite para la presentación de proyectos 3 de mayo de 2010 (5pm hora local)

Los proyectos deben enviarse a:

Fundação EDP

Av. de Brasilia, Central Tejo

1300-598 Lisboa

PORTUGAL

Más información en la web mencionada más arriba.

Fuente: CSCAE.

El innovador proyecto de eco-barrio Sociópolis, impulsado por Vicente Guallart en Valencia, formará part de la exposición Hot! New Design from Spain, que tendrá lugar en el Marylan Institute College of Art (MICA), de la ciudad de Baltimore.

Sociopólis está promovido por el IVVSA de la Generalitat Valenciana en el barrio de la Torre de la capital valenciana. Se concibió durante la Bienal de Valencia de 2002. Ya está en construcción la segunda fase de su urbanización, y ya han comenzado a levantarse varios edificios de viviendas protegidas. En la exposición que tendrá lugar en el MICA se presentará la maqueta del barrio de Sociópolis, realizada con metacrilato y cortada con laser, y se dará a conocer la fusión entre arquitectura innovadora, y la integración paisajística de las acequias y las huertas en el interior de la ciudad de Valencia. La exposición contará, además, con conferencias y talleres en los que, en el caso de Guallart, se analizarán las posibilidades para reciclar las ciudades existentes para conseguir hacerlas más eficientes, naturales y sostenibles.

El proyecto de Guallart ha despertado un gran interés, tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo. Sobre el interés estadounidense, Francisco Tardío, gestor cultural de la Embajada de España en Washington, afirma que“Sociopolis es un proyecto, realizado en España, que propone una nueva manera de pensar en la ciudad y el urbanismo, con diseños y conceptos de sostenibilidad, diseño y arquitectura innovadores que ya han desperatdo mucho interes en EEUU”. Y según palabras del propio Vicente Guallart “Crear barrios densos y mixtos, con espacios públicos que fomenten la interacción urbana, como los huertos sociales o las infraestructuras deportivas permite visualizar nuevas maneras de construir la ciudad mas sociales y ecologicas”.

La Embajada española en Washington será la encargada de presentar esta exposición, que se celebra en el marco de las actividades culturales en motivo de la presidencia de España de la Unión Europea. Al mismo tiempo, la exposición forma parte de un programa más amplio, el Preview Spain Arts and Culture 2010, y que tendrá lugar también en el MICA. El programa cultural de la presidencia española de la UE incluye eventos de literatura, arte, danza, música, cine o cocina, y se desarrollará durante el primer semestre del 2010.

Fuente: SCALAE.

¿Qué dónde estaba en 1971? Entonces empecé con el estudio, y lo primero que hice fue una ‘ciudad instantánea’ en Ibiza, hecha con hinchables. Ahí había mil personas viviendo en comunidad, autoconstruyendo… En fin, estaba el 68 muy reciente, el festival de la isla de Wight… De alguna manera, me sigo reconociendo en aquel arquitecto. Ahora, por ejemplo, pienso en el Paseo Marítimo de Benidorm, que me ha dado muchas satisfacciones, y veo que el uso del color tiene mucho que ver con aquellos hinchables. Y el sentido de los dos proyectos es el mismo: optimismo, hedonismo, alegría, fe en la capacidad de transformar la cosas…”.

Al habla, el arquitecto barcelonés Carlos Ferrater, ganador del Premio Nacional de Arquitectura, que concede el Ministerio de Vivienda. “Me ha pillado la llamada en Sitges, estoy con un proyecto para una escuela apadrinada por Paul McCartney“. ¿McCartney el de los Beatles? ¿Y va a conocer a Sir Paul? Pues eso es aún más divertido que ganar un Premio Nacional, ¿no?. “No, hombre, no diga eso. Este premio me hace mucha ilusión. Primero, porque se reconoce una trayectoria. Y segundo, porque me llega joven. ¡Sólo tengo 65 años!”.

Hablemos, por tanto, de la trayectoria de Ferrater, que abrió su estudio profesional en 1971 (el miso año en el que se incorporó a la docencia en la Universitat Politècnica de Catalunya). “Durante muchos años tuve proyectos pequeños: una casita aquí, un club náutico pequeñito allá… Y entonces, se nos echó encima el 92, así, de sopetón“.

El trabajo de Ferrater empezó a tener reconocimiento público a partir de los años 90, cuando intervino en la recuperación de los terrenos que se convirtieron en la Villa Olímpica de Barcelona. “En realidad, trabajamos en las cuatro grandes zonas olímpicas. Pero le diría que el proyecto verdaderamente importante fue el del Jardín Botánico, porque allí abrimos nuevas posibilidades a la experimentación”.

¿Y en qué consisten las indagaciones de Ferrater? “La palabra clave es geometría. A partir de geometrías, cada vez más flexibles, hemos podido indagar en las culturas de los lugares en los que construimos”.

Y quien dice los lugares, dice ‘el lugar’. Ferrater ha desarrollado el grueso de su trabajo en una ciudad, Barcelona, y se ha ligado a ella como hacían los arquitectos de siempre. ¿Una decisión intelectual? Qué va: “Bueno, yo diría que es una circunstancia. Yo no me niego a moverme pero si me dicen: ‘Vámonos a China a trabajar, yo pienso, bueno, sí, a China… Si hay que ir, vamos. Pero prefiero trabajar en el Passeig de Gràcia”.

Y eso que el estudio de Ferrater ha recibido “un impulso maravilloso con la incorporación de varios arquitectos jóvenes: mi hijo Borja, mi hija Lucía… Ellos han relanzado nuestro trabajo”. ¿Algún consejo para los chicos? “Un arquitecto tiene que tener muy claro que no debe tomar más riesgos intelectuales de los que está dispuesto a asumir su cliente. Si lo hace, lo más probable es que todo acabe en desastre”.

Además de Ferrater, al arquitecto Fernando Ramón Moliner también fue galardonado con el Premio Nacional de Vivienda.

Fuente: El Mundo.

Hubo muchos intentos ayer de definir la exposición Atopia, pero posiblemente una de las más acertadas fuera la de Iván de la Nuez cuando habló de “muestrario de soledades”. Por la angustiosa melancolía que desprenden buena parte de las obras y, también, porque eso es, en cierta manera, en lo que se ha convertido la ciudad contemporánea, el tema, por decirlo así, de esta exposición con la que el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) quiere irrumpir en el debate sobre el arte actual.

“Esta exposición surge de una visita a la feria Frieze de hace dos años”, explica Josep Ramoneda, que se estrena aquí como comisario de arte en colaboración con el ensayista Iván de la Nuez. “Tuve la impresión de que había un cierto cambio en el arte contemporáneo, que he ido corroborando en visitas a otras exposiciones, en el sentido de que empezaba a recuperar las emociones, las ideas estéticas. Como si hubiera ahora una dimensión más pasional en el arte después de este largo periodo de conceptualismo, procesos documentales y arte político que hemos vivido. Nos pareció, además, que el arte actual expresa muy bien este encuentro del habitante, que no siempre es ciudadano, con la gran ciudad, muestra este malestar de la cultura moderna que es ya casi sólo urbana”.

Atopia, el término que le da título, significa “desubicado”, “sin un lugar concreto” y, como explica Iván de la Nuez, suele utilizarse especialmente en el contexto médico para referirse a alergias o demartitis sin ubicación concreta en el cuerpo. Es, a la vez, lo contrario de la utopía; la atopía no se sueña, sino que se padece. “La exposición es un relato, pero no está hecha por artistas que hablan sobre el malestar urbano, sino desde este malestar”, añade De la Nuez, que recalca, al igual que Ramoneda, la intención que han tenido de dejar hablar a las obras por sí mismas con un mínimo hilo argumental que “no apela a una relación conceptual o teórica entre las piezas, sino que busca provocar una relación emocional que crea el espectador”. Leer noticia completa.

Fuente: El Pais.